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Gran Bretagna, Daniel è un vedovo alla soglia dei sessant’anni che, reduce da un infarto, cerca l’aiuto dello Stato per tirar a campare. Una “professionista della sanità” però, nega a Blake il sussidio di disoccupazione, e lo obbliga a cercarsi un lavoro. L’ex carpentiere dovrà scontrarsi con funzionari statali intimidatori e un sistema totalitario che calpesta i suoi diritti. Ken Loach rifà se stesso, e a 80 anni si conferma un maestro dallo stile asciutto e tradizionale, avverso all’evoluzione. La granitica coerenza di un autore da sempre dalla parte dei più deboli è il maggior pregio del film, ma anche il suo più grande limite. Chi conosce le sue opere si ritroverà condotto per strade già battute, e dinanzi a una visione abbastanza prevedibile. Gli schemi, seppur presenti, non ingabbiano il vigore artistico di un regista che non si limita a denunciare ma, da sempre, lotta a muso duro contro la freddezza dei diabolici ingranaggi della burocrazia statale e l’indifferenza social...

Il film è tratto dall’omonimo romanzo scritto da Giuseppe Tomasi Di Lampedusa, pubblicato postumo nel 1958. La storia narrata si svolge tra il 1860, anno in cui Garibaldi giunge in Sicilia con la spedizione dei Mille, e il 1910. Il protagonista è l'aristocratico Don Fabrizio (Burt Lancaster) che dalla sua residenza di campagna di Donnafugata assiste impotente alle mutazioni sociali e al declino dell’aristocrazia. Decadenza simboleggiata dall’amore che sboccia tra il nipote Tancredi (Alain Delon) e la borghese figlia del sindaco Angelica (un’indimenticabile Claudia Cardinale). Al principe non rimane che dare un fastoso ricevimento e annunciare il fidanzamento. Nel 1963, Luchino Visconti dirige la sontuosa   versione cinematografica, realizzando un magnifico affresco storico di assoluta precisione e rigore estetico, arricchito da magniloquenti scene di massa. Il film è una fotografia storico-sociale dell’Italia dell’epoca e una lucida critica al radicato trasformismo della cl...

Palma d’Oro miglior film a Cannes 2015. Trama: Sivadhasan, soldato indipendentista nella guerra civile in Sri Lanka, rubato il passaporto a un morto col nome del titolo, fugge verso Parigi. Per rendere il transito più agevole, si accorda con una donna e una bambina che non si conoscono, e insieme si fingono una famiglia. Purtroppo la Francia che scoprono, non è quella delle cartoline. In fuga da un conflitto si ritrovano in un’altra zona di guerra, una deturpata banlieu parigina, imprigionati in un nuovo inferno e in un parallelo straziante. Riusciranno questi neo-congiunti a diventare un vero nucleo familiare? Sono profughi esasperati e stanchi di fuggire, cercano integrazione e rispetto, in poche parole: un futuro. Fa quindi male, dopo tanta fatica, veder prendere il sopravvento uno smarrimento esistenziale dove ogni cosa sembra perdere di senso. Il regista Jacques Audiard ( Il Profeta , Un sapore di ruggine e ossa ) conferma che il suo è un cinema dai temi forti e intriso d...

Siamo a Saigon nel 1969, e al tenente Willard (Martin Sheen), già provato da precedenti azioni militari, è assegnato il compito di ritrovare e uccidere il colonnello Walter E. Kurtz ( Marlon Brando ), disperso nella foresta cambogiana. L’ex ufficiale è impazzito, e trasmette via radio, dalla giungla, messaggi deliranti; ha inoltre messo in piedi una sua truppa, composta sia da nativi che soldati. Storia ispirata, molto liberamente, da "Cuore di tenebra" di Joseph Conrad, pubblicato nel 1902, che viene qui trasgredito a favore di una visione moderna e personale, dal grande John Milius. Impresa monumentale compiuta da Francis Ford Coppola nel 1979 , che si avventura in uno sforzo produttivo autolesionista – dall’enorme budget – che lo trascina in un limbo depressivo-distruttivo, al pari dei suoi protagonisti. Da questo film in poi, il regista italo-americano non sarà più lo stesso, e nemmeno il valore delle sue pellicole; come se tutta l’indomita creatività e il g...

Film americano del 1976 diretto da Martin Scorsese e scritto da Paul Schrader. Storia : Il veterano del Vietnam Travis Bickle ( Robert De Niro ) lavora come tassista a New York, di notte, costretto così a convivere con l’immoralità di chi la popola. S’invaghisce di Betsy (Cybill Shepherd), giovane sostenitrice di un politico, ma sarà l’incontro con la baby-prostituta Iris ( Jodie Foster ) a cambiargli la vita. Il taxi appare bucando una nuvola di vapore bianco come lo schermo, un incipit al ralenti che già ci suggerisce incoerenze e bipolarismo del protagonista. Sul suo volto si riflettono le artificiali luci della città, rossa e blu (colore caldo vs freddo), lo sguardo che si sposta da destra e sinistra, la musica prima angosciante e poi subito romantica. Con maestria tecnica e artistica, in pochi secondi, il regista traccia il design visuale, concettuale ed emotivo dell’intera opera . Bickle è disperato perché perseguitato dalla solitudine e precipita nell’alienazione metrop...

Turchia. Nella regione storica della Cappadocia, famosa per le sue formazioni geologiche, Aydin (Hanuk Bilginer), ex attore, gestisce l’Hotel Othello, insieme alla giovane e infelice moglie Nihal e alla frustrata sorella Necla. L’arrivo dell’inverno, avvolgerà i protagonisti in un manto nevoso e nervoso, e tra spietati dialoghi, e nuove depressioni, dovranno fare i conti con la loro, vera, natura. Il regista turco Nuri Bilge Ceylan, con questo titolo ha vinto la Palma D’Oro a Cannes . La cifra stilistica dell’opera si snoda tra riferimenti letterari (Checov, Shakespeare), e lunghissime e dense conversazioni in un interno, che ne svelano la matrice teatrale, sfidando l’attenzione dello spettatore.

Adele (Adele Exarchoupolos) è un'adolescente che con le prime pulsioni sessuali scopre l'attrazione per le donne. In un bar gay conosce Emma (Léa Seydoux), con la quale nascerà una storia d'amore e passione, travolgente, che accompagnerà Adele fino all'età adulta. Un'opera senza filtri e compromessi, che cattura la realtà in tutte le sue imperfezioni e ne ruba i preziosi attimi attraverso la misteriosa fragilità del volto umano, contenitore primario di emozioni. Incredibile e innovativa la regia, una camera a mano che si auto-annulla con inquadrature strettissime per inseguire il tempo che passa e la fame di vita di Adele.

C’era una volta un paese, e la sua capitale era Belgrado. Con queste parole comincia il capolavoro del 1995, Palma d’oro a Cannes, del regista serbo Emir Kusturica. Il film inizia il 6 aprile 1941, nella Jugoslavia della seconda guerra mondiale. La pellicola è una metafora sulla storia di questa nazione, rivista attraverso le vicende dei due amici Marko e Nero, entrambi innamorati della bella attrice Natalija. Non è un caso, ad esempio, che parte del film sia ambientata all’interno di un sotterraneo/polveriera abitato da una comunità eterogenea e allo sbando, come la varia umanità balcanica, il cui esuberante temperamento diventa la chiave espressiva di un’opera eccessiva e debordante.

Opera del 1994 e capolavoro assoluto che Quentin Tarantino diresse a soli 31 anni . Palma d’Oro a Cannes e Oscar per la Migliore Sceneggiatura Originale, ma avrebbe meritato di più dall’Academy… Vero e proprio spartiacque e simbolo del cinema anni’90, che riscrive le regole del cinema di genere noir, rivoluzionandone tre elementi: struttura, dialoghi e personaggi. La prima, una grammatica circolare con destrutturazione temporale, che trova nel caos (apparente) creato dall’autore, una conclusione che combacia con l’inizio. Dialoghi logorroici e surreali, che pescano a piene mani dalla cultura pop, e vivono di vita propria, più sono ironici e più sono seguiti da scene di iperviolenza. Stravolge ruoli e situazioni, distruggendoli: gansters impegnati in conturbanti twist, boss sodomizzati, personaggi secondari che diventano protagonisti.

Palma d’oro Cannes 2012. Due insegnanti di musica in pensione, Georges (bravissimo Jean-Louis Trintignant) e Anne (magnifica Emmanuelle Riva) vedono sparire la serenità, causa un ictus che colpisce la donna; da quel momento, sarà un crescendo emotivo umiliante, che spoglia di dignità e illusioni i due protagonisti. La sinossi del film, fa pensare subito ad altre opere prevedibili, che di solito finiscono a lacrime facili; non è così. La domanda, però, sorge spontanea: il sadico (come lo definì Moretti) regista austriaco Michael Haneke, cosa può aggiungere di nuovo? La risposta è: ovviamente, il suo duro e spiazzante sguardo. Da grande autore qual é, con estrema onestà e coerenza, mette da subito in chiaro toni e modi dell’opera, con un iniziale squarcio temporale sull’epilogo.

“The tree of life” di Terrence Malick merita e necessita almeno due visioni per essere assimilato, cosa che io ho fatto: dalla prima sono uscito ubriaco e pieno di dubbi, dalla seconda con la consapevolezza di aver assistito ad una delle opere più ambiziose e possenti della storia del cinema. Un progetto folle, a tratti ermetico, che porta all’estremo la sperimentazione registica, sia per come sfida i registri narrativi accostando micro (le tensioni di una famiglia) e macro (la genesi dell’universo), che per la cura maniacale della costruzione visiva, in cui convivono lirismo e naturalismo. Un saggio filosofico sul dualismo tra Natura e Grazia: la prima dà e toglie, con brutale fatalità, alla seconda, e su questa eterna lotta pesa il silenzio di Dio; ma anche un percorso soggettivo e universale, sospeso tra passato e futuro, tra ricordo e speranza, che chiude non a caso con l’immagine di un ponte. Un’ opera che, come suggerisce una delle battute del film, non va solo guardata, ma os...

Palma d’oro a Cannes, il film di Michael Haneke (da vedere Funny Games, Niente da nascondere) è un rigoroso esercizio di stile, fotografato in uno splendido bianco e nero. Ambientato nella Germania del Nord, negli anni antecedenti la prima guerra mondiale, racconta la storia di una comunità rurale apparentemente perfetta, in cui misteriosi accadimenti, portano a galla ciò che le convenzioni sociali nascondono: il Male (morte, incesto, aborti,..). Un meccanismo da thriller, in cui non conta scoprire il colpevole, ma le origini dell’odio che genera mostri. Il registra prosegue la sua lucida analisi dell’umana crudeltà, sposando uno stile visivo che ricorda Bergman, in un racconto povero (volutamente) di emozioni, ma intenso, poetico e superbo nella forma. VOTO 8

Una giornata all’inferno e ritorno per due studentesse universitarie rumene. Nel 1987 in pieno regime Ceausescu, Otilia e Gabjta, affitano una stanza d’albergo, scopriremo però strada facendo che l’azione nasconde il dramma di un aborto, proibito dalla legge, pena il carcere. Il regista, macchina a spalla, insegue le sue protagoniste riuscendo a catturarne benissimo gli stati d’animo, costruendo un ritmo e una tensione, claustrofobica e angosciante, da thriller. Ne esce la foto impietosa e la condanna per una società disumanizzante, ottusa e meschina, come nel piano sequenza d’antologia dell’ assurda cena a casa del fidanzato, in cui la coscienza di Otilia, che è quella universale, soffoca nell’indifferenza e nel qualunquismo di un paese reso cieco dal buio della tirannia, che avvolge, anche la protagonista, nel drammatico peregrinare per liberarsi del feto. Cristian Mungiu, adottando uno stile simile ai Dardenne, che insieme a lui pescano a piene mani dal nostro neorealismo, riesc...